꧁Classical music in your life꧂
Всем доброго времени суток!
В этой теме я бы хотела рассказывать вам о музыкальных эпохах, отдельных композиторах и их произведениях. Если хотите, можете комментировать, спрашивать, если что будет не понятно, или добавлять, если знаете что-нибудь интересное.
Думаю, первая публикация будет уже сегодня. Буду рада, если кому-нибудь будут интересны эдакие „Уроки музыкальной литературы”.)
Музыка Эпохи Барокко
Музыка эпохи Барокко- период в развитии европейской классической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами.
Музыка Барокко появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма. Слово «Барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина неправильной формы, ведь изобразительное искусство и архитектура этого периода славилась весьма вычурными формами, сложностью и динамикой, что позже стало применимо и к музыке.
Во время эпохи Барокко изменилась музыкальная нотация, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой жанр сочинений как опера.
В этой эпохе выделяют три периода: Раннее Барокко (1600-1654), зрелое Барокко (1654-1707), и позднее Барокко (1707-1760).
Во время раннего Барокко итальянский композитор Клаудио Монтеверди развивал итальянскую оперу, оперные спектакли показывали в Риме и Венеции. Церковь потребовала, чтобы в вокальных произведениях духовной музыке текст был разборчив. Для этого композиторы уходили от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более витиеват и сложен. Так получила развития гомофония. Важными композиторами этого периода были Клаудио Монтеверди, Джованни Габриэли и Генрих Шютц.
Во время зрелого Барокко распространение нового стиля стало повсеместным. Возросла доступность музыкальных инструментов, начала развиваться камерная музыка и жанр кончерто гроссо. Известными композиторами этого времени были Джованни Батиста Люлли, Арканджелло Корелли, Генри Пёрселл.
В музыке позднего Барокко, формы, открытые предыдущими периодами, достигли зрелости и большой вариативности. Устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма, простая трёхчастная форма, и рондо. Музыку позднего Барокко писали Антонио Вивальди, Доменико Скарлатти, Георг Фридрих Гендель, и Иоганн Себастьян Бах.
Помимо оперы, которая стала одной из главных барочных музыкальных форм, стали популярны и другие жанры. Развились такие формы сочинение как токкаты и фуги, уделяли внимание форме кантаты, появился жанр концерта в двух формах: для одного инструмента с оркестром, и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.
Основным музыкальным инструментом Барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные инструменты-виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас. Также деревянные духовые инструменты-различные флейты, кларнет, гобой, фагот.
В эпоху Барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена Года» Антонио Вивальди. Большое число музыкальных терминов и концепций эры Барокко используются до сих пор, произведения того времени широко исполняются и изучаются.
Кто главный композитор эпохи Барокко? Конечно же Иоганн Себастьян Бах!
Родился он в 1685 году, 23 марта, в немецком городе Эйзенах. Но, к несчастью, он осиротел в 10-ти летнем возрасте, и о нём и его Якобе стал заботиться старший сын покойного Иоганна Амброзиуса-Кристоф Бах. В 1695 году к нему в Ордруф переехали Якоб и Себастьян.
Там они продолжили обучение, начатое в Эйзенахе, посещали Ордруфский лицей, и совершенствовали своё умение игры на инструментах под руководством Иоганна Кристофа.
В 15 лет Бах поступил на службу учеников в школу при монастыре Святого Михаила в городе Люнебург. Здесь он прожил три года, осваивая хоровое пение. Именно в этом городе он создал свои первые масштабные сочинения.
Первым городом, в котором Бах занял песто органиста стал Арнштадт. В этот период Иоганн Себастьян совершенствовал свои исполнительские навыки и композиторское мастерство. Успехи не заставили себя ждать-появлялись множество органных прелюдий и фуг, фантазий, хоральных прелюдий. Однако, возникли неприятности, из-за которых Бах решил покинуть Арнштадт. В 1705 году, он просил разрешение у начальства, разрешить ему отсутствовать четыре недели. Намерения же у Иоганна были таковы: Пешком отправиться в Любек, чтобы присутствовать на выступлениях знаменитого органиста Дитриха Букстехуде. К слову, который, по преданиям, высоко оценил способности юного композитора. Но по возвращению в Арнштадт Баха вызвали для объяснений: Ведь вместо обещанного 15 ноября 1705 года, он вернулся только в феврале 1706! Очевидно, при первом удобном случае, Иоганн Себастьян покинул Арнштад, город, где его не поняли.
С 1707 по 1708 год Бах служит органистом в Мюльхаузене, пишет первые духовные кантаты, женится на Марии Барбаре Бах, своей троюродной сестре. Однако, им обоим нужно было покинуть этот город, ведь орган перешёл в крайне плачевное состояние, а на строительство и починку нового инструмента денег у города на было.
В следующем городе-Веймаре, Бах проработал уже более долгое время-9 лет. В этот период жизни он служил и как церковный, и как светский музыкант, впервые получил возможность познакомиться с сочинениями Вивальди, позднее выполнил переложения некоторых струнных концертов .
Но обидным было довольно неуважительное отношение к Баху в Веймаре. Он надеялся, что должность придворного капельмейстера, которое стало свободным из-за кончины руководившего капеллой музыканта перейдёт к нему. Но Иоганна Себастьяна ждали разочарование: место занял не блещущий талантами сын покойного капельмейстера. После нескольких недоразумений появился такой документ: „К делу сему: 6 ноября концертмейстер придворный органист Бах за проявленное упрямство и за требование отставки был посажен под арест в помещении земельного суда, а затем, 2 декабря - вместе с изъявлением немилости - ему, через придворного секретаря, дана была отставка с одновременным освобождением из-под ареста.”
Теперь Бах поступил на службу к князю Анхальт-Кётенскому Леопольду. В Кётене композитор прожил с 1717 по 1723 год. Это был очень благополучный период в жизни Иоганна Себастьяна. Должность придворного капельмейстера оказалась хорошо оплачиваемой, а сам знатный вельможа был неплохим музыкальном. За пять лет жизни в Кётене, композитор написал различные инвенции, концерты для скрипки с оркестром, оркестровые увертюры, 6 „Бранденбургских концертов”, первый том „Хороши темперированного клавира”.
Единственным событием, омрачившим пребывание в Кётене, стара смерть жены Баха, в 1720 году. На следующий год Иоганн Себастьян женился во второй раз; его избранницу звали Анна Магдалена Вильке. Через некоторое время, Бах должен был решиться на один шаг: его старшие сыновья подросли, и отец стремился дать им университетское образование. Посему, Бах с семейством переехал в Лейпциг.
В то время этот город был крупнеющим торговым и культурным центром Германии. Его университет-один из старейших в Европе, был основан в 1409. На должность Кантора церкви Святого Фомы города Лейпцига и поступил Иоганн Себастьян в 1723 году, оставаясь там до конца жизни.
Церковь Святого Фомы, Лейпциг
В Лейпциге Бах написал множество грандиозных произведений, таких как „Страсти по Матфею”, „Страсти по Иоанну”, оратории „Рождественская” и „Пасхальная”, второй том „Хорошо темперированного клавира”, также различные кантаты, трио-сонаты, прелюдии и фуги, хоральные прелюдии.
Единственным жанром, который был популярен в Европе в то время и в котором Иоганн Себастьян ничего не написал, стала опера. Объяснение этому факту очень простое: ни в одном городе, в котором служил композитор, не было оперного театра.
Со временем, Бах заметил, что начинает слепнуть. Когда над ним нависла угроза полной потери зрения, было принято решение об операции. Но, к сожалению, медицина в этом случае нанесла больше вреда, чем пользы: зрение не восстановилось, а организму в целом был нанесён серьёзный удар. Спустя четыре месяца после операции, 28 июля 1750 года, Иоганн Себастьян скончался.
На десятилетия музыка Баха отошла в тень новых кумиров. Творчество его сыновей было очень популярно во второй половине 18 века. Но для различных композиторов сочинения „старого” Баха стали эталоном музыкальной одарённости и невероятного мастерства. А широкой публике произведения великого композитора вернул Феликс Мендельсон, который в 1829 году исполнил в Берлине „Страсти по Матфею”.
Сегодня поговорим про известные сочинения Иоганна Себастьяна Баха - "Хорошо темперированный клавир" и "Токката и фуга ре минор".
А почему, собственно, "Хорошо темперированный клавир"? Потому что долгое время клавир настраивали таким образом, что в тональностях, где было больше четырёх знаков обязательно возникала фальшь. Но постепенно система настройки совершенствовалась, и в результате появилась возможность задействовать тональности с большим количеством знаков. Бах был великолепным знатоком устройства разных клавишных инструментов, и имел отличный слух, поэтому с большим воодушевлением воспринял идею подобной системы в настраивании инструментов. Лучший способ показать преимущества равномерной темперации - создать сочинения, которые с иной системе настройки прозвучать просто не смогут.
Ещё в кётенский период Иоганн Себастьян завершил работу над вторым томом "Хорошо темперированного клавира", предисловие к которому открывает данный раздел. В этих строках Бах объясняет принцип, по которому написаны произведения. По звукам восходящей хроматической гаммы чередуются одноимённые мажорные и минорные тональности: до мажор - до минор; до диез мажор - до диез минор; ре мажор - ре минор; и так далее. Таким образом, все 24 тональности присутствуют в пределах первого и второго томов ХТК.
А что такое вообще "Прелюдия и фуга"? Прелюдия - в переводе с латинского означает "играю предварительно", "делаю вступление". Чаще всего так обозначают небольшую пьесу-вступление, которая подготавливает основную часть. Прелюдии свойственна импровизационность, свободная форма, применение от начала до конца единого типа фактуры. Фуга - произведение, написанное в двух или более голосах, в котором в начале вводится музыкальная тема, которая часто повторяется в ходе сочинения. У Баха фуга чаще всего состоит из трёх разделов: Экспозиционного, в котором тема проводится поочерёдно во всех голосах; развивающего, где тема переходит в разные тональности, и репризного - возвращение основной тональности, в которой вновь прозвучит тема.
Ещё есть версия, что в содержании ХТК были установлены такие сюжетно-смысловые циклы как Ветхий Завет, Рождество Христово, Деяния Христа, Пасхальный цикл. Как, например, прелюдия и фуга си бемоль мажор олицетворяет "Поклонение пастухов", а до мажор - "Благовещение".
Если соберётесь послушать что-нибудь из цикла ХТК, то советую прелюдию и фугу ля бемоль мажор из первого тома, , си бемоль мажор, тоже из первого, и ми минор из второго.
Второе произведения: "Токката и фуга ре минор", вы наверняка знаете. Услышьте хотя бы первые секунды этого сочинения - и вы точно согласитесь, что слышали его ранее.
"Токката и фуга ре минор" считается одной из самых ранних работ композитора - предположительно, она была написана в 1702 году. Однако, некоторые музыковеды ставят под сомнение авторство, и утверждают, что это произведение писал вовсе не Иоганн Себастьян, а совершенно кто-то другой. Точная дата создания не ясна из-за того, что нет ни одной известной партитуры, которая была бы подписана композитором. Есть только более поздние копии, сделанные другими. самая ранняя известная копия была написана немецким композитором и органистом Йоханнесом Рингком, но даже она не датирована.
Если с фугой благодаря прошлому примеру всё уже понятно, скажу пару слов о токкате. Её название происходит от итальянского "Toccare", что в переводе значит "касаться". Это произведение для клавишных инструментов, с помощью которого раскрывается виртуозность исполнительского, как раз таки прикосновения. Во времена Баха токкаты часто служили вступлением к фугам и фоном для них, подготавливая почву для последующей, довольно сложной композиции.
Это произведение, конечно же, не зря является одним из самых известных в творчестве Иоганна Себастьяна Баха. Мощное звучание, драматический накал, и насыщенность развития - всё присутствует в этом сочинения. К слову, исполнение длится всего около 10 минут, так что, послушать это великое произведение, много времени у вас не займёт.
Сегодняшняя моя статья будет посвящена Антонио Лучио Вивальди-итальянскому композитору, скрипачу и педагогу эпохи Барокко.
Родился Антонио Вивальди 4 марта, 1678 года в Венеции, в семье цирюльника и музыканта Джованни Баттиста Вивальди и его супруги Камиллы. Отец Антонио совмещал свою работу с игрой на скрипке, и был скрипачом в соборе Святого Марка (в то время-придворной капелле). Так что, именно отец Антонио привил ему любовь к скрипке, обучил игре на этом инструменте, и передал собственные навыки. Хотя, также имеется версия, что Вивальди обучался теории музыки и композиции у итальянского композитора Джованни Легренци. Но многие исследователи ставят эту теорию под сомнение, учитывая то, что Легренци умер в 1690 году. Уже в 10-11 летнем возрасте будущий композитор настолько хорошо овладел игрой на скрипке, что мог иногда заменять своего отца на службе в капелле.
Однако, с детства Вивальди отличался слабым здоровьем, и был болен астмой. Поэтому, на семейном совете было принято решение отдать его учиться на священника. В 1703 году он начал служить мессы в церкви Сан-Джованни в родной Венеции. Однако, на этом посту Антонио не слишком усердствовал, и по душе ему пришлась другая работа.
В 25 лет Вивальди стал преподавателем игры на скрипке в Ospedalle della Pieta - приюте-консерватории для девочек. Приюты для девочек тогда специализировались на гуманитарных науках, особое внимание уделялось музыке, пению, исполнению духовных мелодий. Антонио стал мастером скрипки для юных воспитанниц приюта. В его обязанности входило ежемесячное написание концертов, кантат, вокальных произведений для солистов и хора, а также создание ораторий и концертов к церковным праздникам. Кроме того, композитор лично занимался с сиротами музыкой и вокалом. Впоследствии, Вивальди стал капельмейстером оркестра этой консерватории. Для воспитанниц он сочинил значительное количество произведений. Их сложность и виртуозность позволяют судить о весьма высоком уровне подготовки учениц консерватории.
Консерватория "Ospedalle della Pieta" в Венеции
Первые изданные сочинения Вивальди - скрипичные сонаты, опубликованные в 1705 году. Далее он издавал свои камерные произведения с завидной регулярностью. Благодаря этому, музыка Антонио очень скоро стала известной уже за пределами Венеции и Италии. Особый успех ему принёс цикл из 12 концертов "L'estro armonico" (Гармоническое вдохновение), изданный в 1711 году. Теперь трёхчастная структура концерта (сольного скрипичного, или cocerto grosso), которая показалась композитору наиболее убедительной (быстро - медленно - быстро), стала перениматься многими европейскими композиторами.
С 1713 года Вивальди увлёкся новым для себя видом музыкального искусства - оперой. Первой написанной им оперой стала "Оттон на вилле", которая принесла автору солидное вознаграждение и успех у публики. Чуть позже, композитор обратился к жанру оратории. В середине 18 века им были написаны "Моисей, бог фараона" и "Торжествующая Юдифь". В одном из писем, написанных Вивальди в 1737 году, он ссылается на то, что написал 94 оперы. Однако, в наше время было обнаружено лишь около 50 опер Вивальди, и никакой другой документации об остальных операх не существует.
Кроме Венеции, Антонио Вивальди также работал в Мантуе, Неаполе, Риме. Его музыка была хорошо известна в Северной Европе, где в Амстердаме был опубликован цикл концертов; четыре первых опуса были объединены под названием "Le quattro stagione", которые почти все сейчас знают под названием "Времена года". По мнению большинства критиков и исследователей, эти концерты являются вершиной творчества композитора.
Под конец жизни успех оставил композитора, и он был вынужден продавать свои сонаты за копейки, лишь бы не совсем прозябнуть в нищете. Последняя в жизни поездка Антонио ( в Вену) оказалась крайне неудачной. Прохладный климат и неустроенность плохо сказались на состоянии композитора, и летом 1741 года он скончался.
Количество сочинений Антонио Вивальди невероятно: на сегодняшний день известны свыше 500 концертов, множество опер, ораторий, светских кантат, сонат и духовной музыки. Однако, на долгое время музыка Вивальди оказалась забытой, и только в 20-е года 20-го века, в библиотеке одного из венецианских монастырей были обнаружены рукописи произведений композитора. С того момента началось триумфальное возвращение миру его чудесной музыки.
Времена года - цикл концертов для скрипки с оркестром, авторства Антонио Вивальди. Все концерты цикла написаны в классической итальянской трёхчастной концертной форме, в которой быстрые первая и последняя части обрамляют медленную центральную. Этот цикл является программным - каждый из концертов посвящен одному из времён года, и предваряется сонетом. Давайте же поподробней рассмотрим каждый из концертов:
1 часть, „Пришла весна”.
К первому концерту цикла добавлен сонет „Весна”, и в соответствии с его праздничным настроением, концерт открывает радостная, ликующая тема.
Эта основная тема, исполняемая всем оркестром и повторяющаяся несколько раз в форме ритурнели, чередуется с музыкальными фрагментами - эпизодами, которые исполняются тремя скрипачами — солистом и концертмейстерами групп первых и вторых скрипок, и иллюстрируют первые восемь строк сонета. Так, первый сольный эпизод, исполняемый на высоких нотах, имитирует пение птиц. Затем идёт изображение к тексту о бегущих ручьях, передаваемое нотами, длительностью 1/16, и о весенней грозе. Громовые раскаты изображает грозная напористая мелодия, исполняемая в унисон всем оркестром. Вспышки молний - вначале синхронные восходящие гаммоподобные пассажи у всех трёх солистов, затем - только у главной скрипки. В них использована техника арпеджио, они звучат „изломано“ полотно росчерку молнии. Перед последним возвращением главной темы, звучит ещё один эпизод с пением птиц, отличающийся от первого.
2 часть, „Спящий пастух”.
Вторую часть, в темпе Largo (широко) ведёт солирующая скрипка под аккомпанемент скрипок и альтов. Скрипки звучат pianissimo sempre (всё время очень тихо), подражая шелесту листвы - эффект достигается с помощью повторяющихся фрагментов из трёх нот. Альты, в отличие от приглушённых скрипок, постоянно повторяют громко и грубо одну и ту же пару нот. По замыслу автора, так передаётся взлаивание пастушьей собаки, охраняющей сон хозяина. Будучи антиподом первой и третей части, с множеством чередующихся тем, вся центральная часть построена на раскрытии единственной безмятежной темы, что создаёт ощущение спокойствия и покоя.
3 часть, „Деревенский танец”.
Заключительная часть, «Танец-пастораль», снова энергична и жизнерадостна. Согласно некоторым источникам, основной ритм в ней задаётся в соответствии с каноном сицилианы - танца пасторального характера. По другой версии, в основу музыки легла французская разновидность жиги, близкая роду изображаемого танца, известного как канари. В этой части переливистые верхние ноты у скрипок звучат на фоне низкого протяжного гудения у басовых струнных в главной, повторяющейся теме части со звучанием волынки. А картину самого танца создаёт струящийся ритм 12/8. По ходу части настроение меняется — мелодия переходит в ми минор, становясь суровой, а затем задумчивой, но на смену минору в последний раз возвращается главная танцевальная тема, завершающая и часть, и весь концерт.
Концерт 2, „Лето”, тональность соль минор.
1 часть, „Жара, жалоба крестьянина.”
Лето в трактовке композитора — не радостное благодатное время года, а пора обжигающего зноя, сменяющегося жестокими грозами. Короткие, отрывистые фразы в вступлении к первой части передают изнеможение от жары, в соответствии со строками приложенного сонета.
Первые ноты звучат pianissimo, затем, по тексту сонета, вступает перекличка птиц в исполнении солиста - кукушки, горлицы, щегла. В верхний регистрах оркестра же зарождается „Дуновение ветерка”, которое постепенно переходит в порыв северного ветра, озвученые уже всем оркестром. Этот короткий момент вновь сменяется томной основной темой, которая постепенно стихает: звучать остаётся только солирующая скрипка и басовый аккомпанемент органа. Скрипка звучит жалобно - она изображает пастуха, страдающего от надвигающейся бури. Затем, в оркестре вторично, с новой силой звучит тема северного ветра, завершая первую часть.
2 часть, „Летняя страда”.
В небольшой, медленной центральной части продолжается жалоба солирующий скрипки, но теперь с ней контрастируют грозные предгрозовые раскаты у оркестра. В промежутках между этими громовыми раскатами оркестр повторяет назойливую зудящую музыкальную фразу, символизирующую жужжание комаров и мошкары. Постепенно музыка затухает, но это лишь затишье перед бурей.
3 часть, „Летняя гроза”.
Заключительная часть - сцена грозы в инструментальном изложении. Мелодия в минорной тональности, нисходящая по тетрахорду - общий приём у многих композиторов в темах, выражающих страдание. В бурной мелодии звучат и грозовые раскаты из второй части, и изображающие вспышки молний пассажи-гаммы из первой. Восходящие и нисходящие гаммы и арпеджио символизируют хлещущие со всех сторон потоки воды. Пока эти пассажи исполняются альтами и басами, а в виртуозной партии солиста звучат отчаянные, испуганные интонации, у группы скрипок звучит мелодия, ритмически напоминающая тему «разных ветров» из первой части. Концерт завершается грозным унисоном всех инструментов оркестра.
Концерт 3, „Осень”, тональность фа мажор.
Часть 1, „Танец и песня крестьянских парней”.
Первая часть концерта представляет слушателю картины крестьянского праздника урожая - первая ремарка в нотах гласит «Танец и песни крестьян». В первом сольном фрагменте задаётся основная танцевальная тема, однако второй и третий эпизоды стилистически отличаются: здесь солист исполняет арпеджио, восходящие и нисходящие пассажи - «струящаяся» мелодия скрипки символизирует разливаемое вино. При этом, в один момент основная тема перемещается в соль минор, но позже снова возвращается в основную тональность. Наконец, после короткого возвращения к музыкальной теме, скрипка солиста почти затухает, и тянет пять тактов одну и ту же ноту. Тем не менее, завершает первую часть возвратившаяся танцевальная тема.
Часть 2, „Спящие пьяные”.
Празднество подходит к концу. тему второй части описывают строки сонета «И, завершая радость наслажденья, В крепчайший сон всех погружает ночь». Эту короткую, всего на две страницы партитуры зарисовку струнные инструменты исполняют с сурдинами. Они исполняют простые неспешные аккордовые пассажи, подчёркивая покой тихой ночи. Басовая партия едва намечена, и ноты содержат рекомендацию клавесинисту играть арпеджио, также пытаясь соответствовать атмосфере покоя. Сольная скрипичная партия же отсутствует полностью — редкое в творчестве Вивальди выражение построения медленной части, вместо чётко прописанной партии дать солисту возможности для экспромта.
Часть 3, „Охота”.
Заключительная часть концерта — образец музыкальной и поэтической формы качча (caccia с итальянского - охота). К слову, именно из-за этой темы и была выбрана тональность фа мажор, которая во времена Вивальди как естественная тональность для охотничьих рогов. Первые такты части создают бодрящую атмосферу раннего утра с трубящими охотничьими рогами и гарцующими лошадьми. Далее музыканты передают для слушателя картины охоты на оленя — скачки́ испуганного животного, спасающегося от людей и собак, его ранение и смерть. Хотя первая часть концерта посвящена грубым забавам крестьян, последняя же - развлечению высшего сословия, где сольные темы обеих частей перекликаются.
Концерт 4, „Зима”, тональность фа минор.
Часть 1, „Сильный ветер”.
В первой части авторские ремарки указывают на то, что музыкантам следует имитировать лязг зубов от холода, вой ледяного ветра, притоптывание и беганье в попытках согреться. Эффект пустоты и холода создаётся с помощью последовательности повторяющихся диссонирующих нот, которая сначала возникает в группе виолончелей, а затем поочерёдно развивается альтами, вторыми и первыми скрипками. В партии солиста же звучит свист пронизывающего ветра, и этот момент является самым сложным для солиста-скрипача во всём цикле. В частности, в 3-ем сольном эпизоде, изображающим клацанье зубами от холода солист ведёт партию парами нот длительностью 1/32, имитируя дрожь.
Часть 2, „У камина”.
Вторая, медленная, часть вводит тему «зимних наслаждений». Она обладает такой завершённостью, что часто исполняется как самостоятельное произведение. В этой небольшой лиричной зарисовке, рисующей картину покоя у жарко натопленной печи доминирует исполнение солиста, а пиццикато скрипок оркестра создаёт иллюзию падающих за окном дождевых капель.
Часть 3, „Прогулка по льду”.
Заключительную часть открывает скрипичное соло, звучащее на фоне тянущейся басовой ноты континуо - это изображение осторожного скольжения на коньках по льду. Затем к солисту присоединяется весь оркестр, и в музыке появляются разрывы и диссонансы, она становиться напряжённей. После образов неуклюже падающих на лёд людей вновь вступает солист. Его партия ведётся нотами, длительностью 1/16, стаккато (отрывисто) - это символизирует трещащий и ломающийся под ногами лёд. Позже темп музыки становиться медленным, спокойная мелодия создаёт образ ветра с юга. Однако зиме ещё не конец, и солист и оркестр, чередуясь, вновь вводят резкую и суровую тему северного ветра-борея. Энергичный финал, символизирующий холодную силу зимы, завершает не только концерт, а уже весь цикл.
Музыка эпохи классицизма.
„Classicus” в переводе с латыни означает - „идеальный”, „образцовый”. Идеалом и образцом для подражания вновь стала античность и её искусство. На смену пышности и витиеватости Барокко приходит простота, строгость, ясность. Ритм музыкальных произведений отличается непринуждённостью, естественностью, разнообразием и характерностью. В качестве сюжетов для изобразительного искусства, музыки, литературы снова становятся популярными древнегреческие и древнеримские мифы и трагедии.
В 18 веке происходит значительное расширение форм бытования музыки. Помимо придворной, театральной и церковной музыки (которая постепенно отходит на второй план), возникают более демократичные виды её существования - различного уровня музыкальные академии, и концертные организации. Благодаря им публика имела возможность приобщиться к высокому музыкальному искусству, приобретая билет или абонемент. Многие европейские монархи, правившие в том веке, являлись искренними почитателями музыкального искусства, и естественно содержали при дворах оркестры. А один из правителей - Фридрих Великий - сам был музыкантом: король увлекался игрой на флейте.
Демократичные веяния также проникали и в оперные театры. На смену „высокой” опере - лирической трагедии, и опере-seria (серьёзной) приходят итальянская опера-buffa (весёлая), французская комическая опера. И австро-немецкий зингшпиль (Singspiel - игра с пением). Основным отличием оперы-buffa было наличие речитативов, тогда как во французской комической опере и зингшпилях использовались диалоги. А бойкость весёлых, иногда даже дерзких сюжетов объединяла все три вида опер.
Музыкальная культура классицизма создает новые жанры инструментальной музыки – соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма, до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.
В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет.
Классицизму, также, присуще разделять жанры на „высокие” и „низкие”: «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия).
Система жанров, форм и правил гармонии, разработанная во время эпохи Классицизма, сохраняет своё значение и до сих пор, произведения того периода широко исполняются и изучаются.
Сегодня поговорим про композитора эпохи классицизма, представителя венской классической школы, "отца симфонии и квартета" - Франца Йозефа Гайдна.
Родился Йозеф Гайдн 1 апреля 1732 года, в деревне Рорау в Австрии, в семье каретного мастера. Его родители, увлекавшиеся любительским музицированием, заметили способности мальчика к музыке. В 1738 году его отправили к родственнику Иоганну Франку, который был профессиональным музыкантом и ректором школы в Хайнбурге. Йозеф был трудолюбив и талантлив, и уже на шестом году жизни пел с хором некоторые мессы, а также немного играл на клавикорде и скрипке.
Но скоро судьба мальчика изменилась - в Хайнбурге проездом оказался Карл Георг фон Рейтер - капельмейстер при соборе Святого Стефана в Вене. Он высоко оценил способности юного Гайдна, и договорился, что тот прибудет в столицу Австрии, когда ему исполнится 8 лет.
И вот он в Вене. Мастерство Йозефа-хориста действительно не вызвало ни у кого сомнений, он пел в капелле, и уже в то время пробовал сочинять музыку. Однако, его голос начал ломаться, "ангельское" звучание становилось резким, неприятным. И Рейтер без тени сомнения выставил бывшего хориста за дверь, тем более, что ему уже нашли замену: младший брат Йозефа, Михаэль, обладав замечательным голосом был принят в капеллу.
